Del mismo modo que aparece la necesidad de marcar el espacio de la representación, surge también la de distinguir al actor como personaje, primero con las máscaras, después con el vestuario y el maquillaje.
El vestuario cumple una doble función, por un lado como disfraz o elemento distanciador del actor respecto al público y entre él mismo y su personaje. Por otro, la función propia del vestido como signo que informa de la pertenencia a una época y una sociedad.
Las escuelas interpretativas actuales aconsejan llevarlo en los ensayos para que al vestirse como lo haría su personaje, el actor pueda descubrir aspectos de éste.

En el teatro griego y romano, el vestuario sigue las convenciones de la moda de la época, pero se establece un simbolismo de los colores (púrpura para los monarcas, colores oscuros para los personajes de luto, abigarrados para los mercaderes). El teatro romano introduce el uso de pelucas: blancas los ancianos, rojas los esclavos, amarillas los jóvenes.

El disfraz tiene gran importancia en la caracterización de los personajes de la Commedia del'l'arte. Cada personaje se identifica con un traje. La pobreza de Arlequín se representaba con un vestido lleno de parches y remiendos que después se sofisticó en el conocido traje de rombos de colores.
A medida que el teatro busca impresionar al público y se complica la escenografía, el vestuario gana en lujo (los actores utilizaban vestuario regalado o comprado a criados que lo habían heredado de sus señores) y se despreocupa de la fidelidad a la condición o la época del personaje representado.

A partir de la segunda mitad del siglo XVIII comienza a imponerse la precisión histórica en el vestuario gracias a actores como el francés Talma.
La tendencia al realismo continuará durante el siglo XIX y principios del XX llegando a exageraciones que dificultaban la actuación (por ejemplo obligando a los actores de una representación de Julio César a vestir la complicada toga romana).
En la actualidad, el vestuario teatral se escoge o se diseña específicamente para el espectáculo por el figurinista de acuerdo con el director de escena.

En la elección del vestuario se busca, además de la caracterización del personaje y la comodidad del actor, expresar las intenciones de la escenografía y el estilo de la puesta en escena.

Es uno más de los lenguajes expresivos de la escena.
Como la escenografía, contribuye a realzar los valores que busca el director para su puesta en escena (realismo, fantasía, sencillez, barroquismo, etc.)
La verosimilitud se entiende como una fuente de inspiración que puede modificarse para subrayar las características del personaje o de la puesta en escena (como los diseños de Joan J. Font para las Maravillas de Cervantes o los de Mercè Paloma para La vida es sueño en los montajes de la Compañía Nacional de Teatro).
Las obras de época pueden representarse con vestuarios actuales para aportar nuevos valores expresivos.